今のモードとしては難しい言葉を極力に使わないように

──それは今作の制作にあたってもそう？

そうです。たださっきおっしゃっていたような私が幼少期に好きだった音楽の要素が現れている部分がゼロだとは思いません。今作は、ファースト、セカンド、サードと来て「第1章の締めくくり」という位置付けの作品にしたいと、あるタイミングから思い始めたんです。さきほども言ったように「サード・アルバムはアーティストにとって大事なものだ」と言われてきたので、聴き手に寄り添うような、盛り上がる曲や踊れる明るい曲を作る必要があるとはじめのころは思っていたんです。要するにビジネスとしての音楽を考えてしまった。音楽を仕事にしている以上、無視できないことです。

だけどそれをやめて、第1章の締めくくりに今の自分ができること、やりたいことをジャッジせず感覚的に取り入れて、好きなようにやろうとしました。そうしたことによって、私が培ってきたものが現れているのかもしれません。何の影響もないなんてことは絶対にないですからね。

──音色選びの面ではどうですか？　鳥居真道さん(トリプルファイヤー)のギターの音色なんかは、前作よりもラウンジーというか、リゾート・ミュージックっぽいムードもありますがこれもeharaさんの指定ですか？

デモの段階で私が音色を選択していますし、口頭で鳥居くんに「こうしてほしい」と伝えていますが、鳥居くんの演奏内容の決め方は特殊です。他のメンバーについては、音色も含めてデモの段階で私が作ったイメージに近づけるようお願いしていますが、鳥居くんは割とお任せな部分が多いです。私が作った特定のフレーズやリフを弾いてもらいつつ、あとは鳥居くんに任せています。終盤まで鳥居くんが何をするかが決まっていなくて、レコーディング当日に「こうしてほしい」と伝えて即興的に録っているパターンもあります。私は鳥居くんが弾くギターが好きなので、鳥居くんがやることをそのまま信頼していますし、彼が弾いてくれたフレーズや音色に対して納得できることが多いので、今作でも自由にやってもらっている部分が多いです。

──なるほど。箱のなかに綺麗に収まったアレンジに対して、ギターだけが自由に出入りしている構成が面白いなと思っていたんですが、いまの話を聞いて謎が解けました（笑）。

ドラムの軸となるパターン、キーボードやピアノのアレンジ、ベースラインなども自分で考えていますが、鳥居くん以外のメンバーに対してものすごく手厳しく「絶対にデモの内容を守ってくれ」と言っているわけではないので、微細なところにメンバー全員の色は出ているはずです。時間が限られているなかでよくやってくれたと思います。

──それから歌詞で言うと、いままで以上にダイレクトに聴き手の自分のなかに入ってくる感じがしたんですよ。歌詞を書く上では、自身のなかでなにか意識の変化はありましたか？

制作中のある段階から、歌詞を書くために3つルールを設けているんです。1つ目が、〈難しい言葉を使わない〉ということ。普段私が歌詞を書くときは、身の回りで起きた出来事を発端に作っていくことが大半で、完成した歌詞は自分が理解できればいいし、聴き手になにかのメッセージを伝えたいようなことでもないんです。だからメロディーにし対してフィットする音として楽しい言葉をチョイスしつつ、自分だけがわかる比喩などを使って組み立てていくことが多かったんですが、そういう言葉遊びをしていくうちにだんだんと複雑な言葉や言い回しに傾倒していったところがあり、自分でも飽きてきたし、なかなか歌詞が書けなくなってしまった時期があって。それでもっと普遍的な言葉を使って、言葉の印象にフォーカスしてみようと思いました。私は短歌が好きなんです。リズムや字数という制約のなかで、平易な言葉で情景を表現して感動、共感でき、思いつかなかった視点が盛り込まれている短歌の作り方から学ぶことは多いです。とにかく今のモードとしては難しい言葉を極力に使わないようにしたいと思っています。

2つ目は、曲のなかに必ず〈特別印象に残る言葉を入れる〉ということも意識しました。例えば“風景が”だと、Aメロの部分はなんのことを歌っているのか、あまりよく分からないと思います。私があの曲のなかで重要視しているのはサビの歌詞です。ここでも短歌のような表現の考え方を参考にしています。短い制限のなかで、説明的にすることなく、それぞれの経験と結びつけることができる言葉を選ぶ。なので究極1番と2番のAメロの歌詞は、必ずしもその言葉じゃなくてもよかったりします。サビにまつわることの一例のをあげていくような感覚で言葉を選んだかんじです。とにかく“風景が”についてはサビのところだけなんとなく意味が分かって、聴き手が「こういうことかな」とちょっとだけ想像できる解釈の余地があったらいいなと。

そして3つ目が、曲の1番最初になにかを言うかです。第一声の後になにを言うのかを聞きたくなるような言葉を選ぶ、ということ。歌詞の意味が分からなくても「ダイレクトに入ってくる」と感じてくださったのは、その3つを意識した作詞をしたからかもしれませんね。

──今、ふたつ目のルールのなかで「他の言葉に代替可能なパートもある」というふうに言っていましたが、アルバム名の“McGuffin”って、まさにそういう意味の言葉なんですね。「主人公や登場人物にとっては大事なものだけど、鑑賞者にとっては代替可能なもの」という、映画用語だということですけど。

そうです。ただ、先ほどお話した歌詞の考え方にフォーカスしてタイトルに“McGuffin”という言葉を選んだというわけではなくて、いろいろな理由があります。アレンジ面や音楽的なこともそうですし、この数年間で向き合って解決したり咀嚼したりしてきた自分の私生活、ここまでの人生のこともですし、今作の制作過程についてでもあります。全てひっくるめて、ここ数年間で私が得た「教訓」からきたアルバムタイトルといえると思います。

──今作はeharaさんのなかの本当に好きなものが煮詰まったものでありながら、非常に風通しよくも感じられるんですよね。ソロ・アーティストとしてのアレンジの洗練もあると思いますが、同時に、囚われていたものを手放すことで得られるフラットでニュートラルな風通しの良さを、ひとりの人生の一局面として、アルバムを通して語られている印象がある。それは、冒頭にもお話のあった、コロナ禍で自分と向き合う経験なんかも、きっとあるんじゃないのかなと。

コロナ禍からこのアルバムの制作に至るまでの間は、例えばカウンセリングに行ってみたり、いろんなこと勉強したり、蓄えたり解決したりという期間でもありました。それにより、今作では起きたことを前向きに受け入れている部分はあるかもしれません。